objectified

en el vídeo, se muestra un punto de vista del diseño, donde para mi el punto centrar es el enseñarnos como los grandes diseñadores llegan a crear sus obras maestras; donde es un GRAN EJEMPLO de como se debe de desarrollar un proyecto de diseño con el ejemplo del cepillo de dientes, donde nos muestran paso a paso del proyecto( socializan de un "proyecto o idea" a desarrollar, lluvia de ideas, estudio de la población(no se toma el promedio sino que nos enseñan a tomar desde el mas pequeño hasta el mas grande y que le quede o se adapte bien para ambos casos el producto que vamos a desarrollar), y por ultimo se ven varios prototipos que cumplan con las ideas y puntos ya referidos en la lluvia de ideas; Uno de las cosas mas importantes es el constante énfasis en lo re utilizable, o al menos materiales ecológicos, y con el menos desperdicio posible.
un ultimo punto que toco es la idea que nos muestran y que siembran de lo ergonómico y natural de las cosas, junto a la necesidad de menos en las cosas, donde lo necesario resalta y limita al usuario en sus funciones.

CONCLUCIONES DE LA CLASE

EN LA CLASE COMENZAMOS VIENDO PRIMERAMENTE ESCUELAS DE DISEÑO, CON CIERTO ENFOQUE EN LA BAUHAUS, Y PASANDO A VER MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DONDE NOS ENFOCAMOS EN LOS MAS RELEVANTES. UNO DE LOS PUNTOS IMPORTANTES DEL CURSO PARA MI FUE LA VISTA DE  BRAUN, AQUELLA EMPRESA QUE DA DISEÑO A LOS PRODUCTOS PRODUCIDOS EN MASA, TOMANDO COMO EJEMPLO LA BAUHAUS; NOS DIMOS CUENTA DE LA HISTORIA Y COMO EL DISEÑO INDUSTRIAL INFLUYO EN ESTA, DONDE SE CAMBIA EL PENSAMIENTO DE LO QUE EL USUARIO NECESITA (DE MANSIONES SOBRE DECORADAS Y CON EXCESOS DE DECORACIÓN (BARROCA) Y ARTILUGIOS ARTESANALES Y QUE A MENUDO SE CONFUNDÍAN, POR UN DISEÑO MAS MINIMISTA, DONDE SE LIMITA AL USUARIO A CIERTAS ACCIONES, ADEMAS DE REDUCIR EL OBJETO A SU MÍNIMA EXPRESIÓN DANDO TOQUES MUY SOBRIOS AL DISEÑO.

ESTA CLASE ME SIRVIÓ YA QUE NOS MOSTRÓ GRACIAS PRINCIPALMENTE A LAS ULTIMAS CLASES PROCESOS DE DISEÑO, COMO INFLUYE EL DISEÑO Y LO MAS IMPORTANTE (PARA MI) COMO FUE EL DISEÑO, NOS MUESTRA COMO ES AHORA Y NOS GENERA IDEAS PARA CREAR NOSOTROS EL FUTURO DE ESTE. GRACIAS PROFE

VESPA

1946

La presentación de las primeras 15 motos Vespa tuvo lugar en abril de 1946 en el Club de Golf de Roma. Los padres de la nueva moto eran el empresario

 Enrico Piaggio

 y el ingeniero aeronáutico 

Corradino D'Ascanio.

 Al terminar la Segunda Guerra Mundial, Piaggio tuvo la visión de un medio de transporte cómodo, de fácil manejo y barato. Piaggio encarga un primer proyecto al ingeniero Renzo Spolti, en el que el nuevo vehículo recibe el nombre de Paperino, que significa patito en italiano,

EL "PAPERINO  

 con un diseño inspirado en las motocicletas plegables utilizadas por los paracaidistas ingleses. El proyecto del primer prototipo no convenció a Piaggio y recurrió al ingeniero aeronáutico Corradino D'Ascanio. El ingeniero, al que le gustaban más los aviones que las motos, diseñó un vehículo de aspecto revolucionario para su época: puso el motor sobre la rueda posterior e ideó el brazo delantero pensando en el tren de aterrizaje de un avión. Cuenta la leyenda que, cuando Piaggio la vio, exclamó:  (Bonita, me recuerda una avispa, en italiano), aludiendo a la forma del vehículo: parte trasera más gruesa conectada a la parte frontal por una cintura delgada, y el manillar como las antenas.

Piaggio continúa manufacturando hoy la Vespa, aunque era un vehículo mucho más prevalente en los cincuenta y sesenta al ser la elegida por la cultura juvenil del Reino Unido conocida como Mods, y más tarde Skin heads.

 Las clásicas Vespas tenían chasis unicorporal prensado de láminas de acero, con carrocería cubriendo las piernas para protegerlas de la lluvia y el barro. El motor estaba cubierto completamente por un encapuchado de acero para proteger del calor. Piaggio revolucionó la industria de dos ruedas con la Vespa y produjo un modelo en el que prácticamente todos los demás scooters se han basado desde entonces.

Las Vespas más antiguas (los modelos tradicionales) tienen cambios de marchas manuales, controlados girando el manillar izquierdo mientras se empuja la palanca de embrague y eligiendo entre las 3 o 4 marchas. Estas Vespa tradicionales siempre tuvieron motores de dos tiempos, requiriendo una mezcla de aceite y gasolina para lubricar el pistón y el cilindro. En los primeros tiempos de su producción y hasta el desarrollo de mejores materiales y lubricantes más eficaces, la mezcla de aceite en el combustible producía grandes cantidades de humo.

VESPA

a presentación de las primeras 15 motos Vespa tuvo lugar en abril de 1946 en el Club de Golf de Roma. Los padres de la nueva moto eran el empresario 

Enrico Piaggio

 y el ingeniero aeronáutico Corradino D'Ascanio.

 Al terminar la Segunda Guerra Mundial, Piaggio tuvo la visión de un medio de transporte cómodo, de fácil manejo y barato. Piaggio encarga un primer proyecto al ingeniero Renzo Spolti, en el que el nuevo vehículo recibe el nombre de Paperino, que significa patito en italiano, con un diseño inspirado en las motocicletas plegables utilizadas por los paracaidistas ingleses. El proyecto del primer prototipo no convenció a Piaggio y recurrió al ingeniero aeronáutico Corradino D'Ascanio. El ingeniero, al que le gustaban más los aviones que las motos, diseñó un vehículo de aspecto revolucionario para su época: puso el motor sobre la rueda posterior e ideó el brazo delantero pensando en el tren de aterrizaje de un avión. Cuenta la leyenda que, cuando Piaggio la vio, exclamó: «Bello, mi sembra una vespa» (Bonita, me recuerda una avispa, en italiano), aludiendo a la forma del vehículo: parte trasera más gruesa conectada a la parte frontal por una cintura delgada, y el manillar como las antenas.

Piaggio continúa manufacturando hoy la Vespa, aunque era un vehículo mucho más prevalente en los cincuenta y sesenta al ser la elegida por la cultura juvenil del Reino Unido conocida como Mods, y más tarde Skin heads. Las clásicas Vespas tenían chasis unicorporal prensado de láminas de acero, con carrocería cubriendo las piernas para protegerlas de la lluvia y el barro. El motor estaba cubierto completamente por un encapuchado de acero para proteger del calor. Piaggio revolucionó la industria de dos ruedas con la Vespa y produjo un modelo en el que prácticamente todos los demás scooters se han basado desde entonces.

Las Vespas más antiguas (los modelos tradicionales) tienen cambios de marchas manuales, controlados girando el manillar izquierdo mientras se empuja la palanca de embrague y eligiendo entre las 3 o 4 marchas. Estas Vespa tradicionales siempre tuvieron motores de dos tiempos, requiriendo una mezcla de aceite y gasolina para lubricar el pistón y el cilindro. En los primeros tiempos de su producción y hasta el desarrollo de mejores materiales y lubricantes más eficaces, la mezcla de aceite en el combustible producía grandes cantidades de humo.

LA MAQUINA DE COSER

la aguja

La aguja de coser tiene una antigüedad confirmada de como mínimo 40.000 años, pero podría tener una antigüedad de más de 60.000 puesto que una pequeña punta de hueso esculpido durante el Paleolítico medio del continente africano podría corresponder a la punta de una aguja de coser. La punta fue encontrada en 2006 en la cueva de Sibudu, en Sudáfrica, y ha sido fechada en una antigüedad de más de 61.000 años. No se ha obtenido todavía la confirmación de que se trate realmente de una aguja de coser. La aguja de coser confirmada más antigua conocida hasta la fecha fue descubierta en el siglo XX por el arqueólogo esloveno Srečko Brodar (1893 – 1987) en la cueva de Potok, situada en el este de las montañas Karavanke, en Eslovenia, y tiene una antigüedad de unos 41.000 años. Más tarde, durante el Paleolítico superior, en Europa, las agujas de coser esculpidas en hueso se vuelven habituales en los períodos solutrense y magdaleniense (aprox. de 17.000 a 12.000 años AP).
Mucho más tarde, con el descubrimiento de los metales, las agujas de coser comenzaron a hacerse primero con cobre, en Anatolia, aproximadamente unos 5.500 años a. C., y más tarde con bronce y con hierro. Se cree que hace unos mil años aproximadamente los chinos, durante la Edad Media, fueron los primeros en utilizar agujas de acero, y que los árabes se encargaron de llevar el acero a Europa. Ya en 1730 había importantes fabricantes de agujas en Núremberg (Alemania), y durante el reinado de Isabel I de Inglaterra ya había muchos fabricantes de agujas en Inglaterra. Desde la prehistoria hasta el siglo XIX las agujas con ojo se fabricaban todavía a mano, como en la prehistoria y como en todas las edades anteriores. Las primeras agujas de metal con ojo fabricadas en serie salieron al mercado en 1826, pero no fue hasta 1885 que la maquinaria fue arreglada para estampar bien el ojo en la aguja. Posteriormente se divulgaron las agujas para máquinas de coser, similares a una aguja normal, pero con el ojo en la parte inferior de la aguja.

aguja en hueso

aguja en cobre

  

aguna para maquinade coser

MAQUINA DE COSER

Hasta  1846, Elias Howe lo cambió todo, se le ocurrió otra manera de hacer ropa, patentó la primera máquina de coser práctica . La máquina de coser sobre la base de su invención original hizo posible la producción masiva de ropa en una escala mucho más grande de lo que  había sido posible.

ELIAS HOWE

nació en Spencer, Massachusetts, el 10 de julio de 1819.  Al términar  la educación comenzó a trabajar como maquinista, una posición que fue elegido por él. El Señor Howe escuchó por primera vez algo referente a la  máquina de coser mientras  trabajaba en Boston con  Ari Davis que se dedicaba a la reparación de instrumentos de precisión.

La gente había estado tratando de inventar un dispositivo por más de medio siglo en los Estados Unidos y tambien en el extranjero perosin gran éxito. Sus manos trabajaron para desarrollar y perfeccionar su invento, y allí fue sobre principios del mes de abril de 1845, después de cinco años deincansable trabajo y la gran dedicación incesante donde se invento la primera máquina de coser automática. Estaba lista para su funcionamiento.

Sus desarrollos  fueron presentados como una advertencia en la oficina de patentes, el 22 de septiembre de 1845, y su solicitud de patente se completó 17 de mayo 1846.  Se le concedió el 10 de septiembre 1846.
En 1851, Isaac Merritt Singer, un maquinista de Boston, Massachusetts, introdujo la primera máquina de coser a escala para uso doméstico. La patente se publicó 30 de mayo 1854. Aunque las primeras máquinas Singer se basan en el concepto de Howe, más tarde se patentó el brazo rígido y una barra vertical para mantener el paño contra el movimiento ascendente de la aguja.
A través de la década de 1850 más y más compañías se estában formando y empezaban las grandes demandas entre compañias por hacerse con el control de la máquina de coser.  Howe presentó una demanda contra Singer por violación de patentes y gano. En 1856 se formo un grupo que constaba de las siguientes Marcas: Singer, Howe, Wheeler-Wilson, y Grover-Baker.
Estas cuatro empresas combinaron sus patentes, lo que significa que todos los demás fabricantes tenían que obtener una licencia y pagar $ 15 por máquina. Esto duró hasta 1877 cuando la última patente expiró. En este momento Singer Singer pasó a desarrollar la máquina de costura continua y fundó la Singer Sewing Machine Company, que se convirtió en uno de los mayores fabricantes mundiales de máquinas de coser. La primera máquina de coser eléctrica de Singer para uso domestico fue introducida en 1889.

la historia da un "salto" o cambio drástico, donde se divide en 2 la maquina de coser, la primera parte ya vista, donde los mas grandes avances son  la implementación de un punteado o costura mas continua gracias a la implementacion de un pedal que daba fuerza o poder para la cabeza de la maquina, y la aguja con la inclinación; y la segunda, que es gracias a isaac singer, que logro implementar el motor eléctrico de golpe, para dar así mas rapidez y una producción mas industrializada y mucho mas rápida, ademas de el hecho de el ahorro de energía humana y que ya no se veia como un arte, ya que se empezó la producción en serie, donde se mostraba uno o dos ejercicios a un trabajador para que lo repitiera durante el día.

MOTOR ELECTRICO DE GOLPE (UTILIZADO EN LAS PRIMERAS MAQUINAS DE COSER)

ALGUNOS DE LOS DISEÑADORES MAS DESTACADOS DE LOS SETENTAS HASTA EL PRESENTE.

RON ARAD

Ron Arad (nacido en Tel Aviv 1951) es un diseñador industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación arquitectónica en Londres, de  1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.

Su obra ha sido expuesta en España en 2003 con la muestra ʻPermetreʼs la Llibertatʼ, Centre dʼArt Santa Monica, Barcelona. En septiembre de 2013 la galería Ivorypress Art + Books inaugurará en su sede en Madrid la segunda exposición de Ron Arad en España.

Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.

Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. En 2008 diseña el Museo Bauhaus de Tel Aviv. Su plan del Museo del Diseño Holon inaugurado en 2010 está considerado como el primer museo del diseño de Israel.

En el ámbito docente, fue jefe del departamento de Diseño de Productos en el Royal College of Art entre 1997 y 2009.

Philippe STARCK

Probablemente, el diseñador más reconocido en la actualidad, considerado por muchos un excéntrico genial. Nada se le resiste a Philippe Starck. Su marca se extiende por casi todo lo humano y divino: cepillos de dientes, exprimidores de jugo, motocicletas, aparatos sanitarios, diseño de interiores que llegan al palacio presidencial del Elíseo en Francia. Arquitecto, diseñador, inventor, director artístico...  Su padre fue ingeniero aeronáutico. Siendo un niño, Starck ya mostró cualidades excepcionales en la Escuela Nissim de Camondo de París. Su primer éxito fue el diseño de una “casa hinchable” en el Salón L’Enfance en 1969. Su apellido ya es marca registrada, y tiene en su haber tiene los hoteles y restaurantes más exquisitos del mundo. Sorprendió con los muebles de metacrilato y se entregó al diseño de electrodomésticos, lámparas, vehículos… Una ilimitada inspiración que no cesa de imprimir su huella en los objetos que observa. 

En arquitectura es un auténtico visionario, Starck es uno de los creadores del concepto “hotel boutique”. Actualmente da los últimos retoques al grandioso Hotel Royal Monceau en París. La influencia de su marca queda patente en el uso del color, la combinación de materiales y la distribución del espacio. En 1999, el diseñador francés se unió a John Hitchcox para fundar yoo. Su objetivo era generar espacios de vida verdaderamente extraordinarios. La marca yoo cuenta con más de veinte proyectos en todo el mundo. Los edificios se ubican en los cinco continentes. Su último proyecto arquitectónico, el fascinante edificio Le Nuage en Montpellier, previsto para el 2014, un conjunto arquitectónico con evocaciones del sueño surrealista de la “casa de cristal” de Bretón. Da rienda suelta a su creatividad en los más diversos campos del diseño industrial: lámparas, sillas, muebles, cocinas, mesas, edificaciones, barcos... En el 2005 llegó a idear un vehículo de hidrógeno.

Zaha HADID

Salvaje, revolucionaria, cautivadora. La primera mujer en ganar el Premio Pritzker de Arquitectura (2004), precedido del premio de Arquitectura Contemporánea Mies Van der Rohe (2003). Se graduó en matemáticas por la Universidad Americana de Beirut antes de cursar estudios en la Architectural Association de Londres. Creadora de una estación de bomberos de hormigón en Alemania en 1993. Su primer edificio de América fue el Centro Rosenthal de Arte Contemporáneo de Cincinnati, construido en el año 2003. Su estudio de se encuentra en Londres. Un equipo de trabajo de 400 personas que llevan a cabo 950 proyectos en más de 50 países. Actualmente también colabora con el Museo Nacional del Siglo XXI de Arte en Roma.

De origen iraquí Zaha Hadid, es una señora que goza de un prestigio incuestionable. Incontables premios en los últimos cinco años. Reconocida con la Orden del Imperio Británico en el 2012; Mejor Diseño Interior Beauty/Spa/Fitness del año en el Reino Unido por la edificación del complejo de piscinas para los pasados Juegos Olímpicos de Londres. Sus creaciones y aportaciones innovadoras en mobiliario, esculturas, pinturas y otros objetos decorativos van estrechamente ligadas a su concepción de la arquitectura. La exploración más arriesgada a lo largo y ancho de los límites espaciales y las formas.

Alessandro MENDINI

Profesor, pintor, editor, escritor... Formado en la universidad pública del Politécnico de Milán, es un arquitecto de mente privilegiada que a sus más de ochenta años sigue en plena forma. La última invención dedicada a su nieto: una lámpara sin cables que admite cualquier posición y no se calienta, marca Ramun, ocurrencia del dios egipcio del sol Amon-Ra, representado tradicionalmente como un ojo. Incansable este cerebro maestro. Alessandro Mendini trabaja junto a su hermano Francesco bajo la marca general Atelier, con la que diseñan hoteles en todo el mundo. Ha ideado proyectos y distintos objetos para grandes firmas internacionales: Cartier, Philips, Hermès, Alessi, Swatch o Bisazza. Junto a su hermano Francesco, bajo el sello Atelier Mendini, realizan obras arquitectónicas en todo el mundo. Ha creado mobiliario, interiores, pinturas, cerámica colorista, diseño de relojes.

La tradición familiar no se estanca y persigue el refinamiento del diseño sin cesar. Su actividad se ha diversificado. Pininfarina desarrolla cerca de 500 proyectos de diseño que no tienen que ver con el sector automotriz, diseñadores globales ya consolidados. Pero Pininfarina es una marca cuyo sello se encuentra en muy distintos campos. Paolo dio el salto en la saga familiar y fue director pionero en Pininfarina Extra (1987), diseño que abarca otros campos como el mobiliario, los yates, el interiorismo y la arquitectura: las computadoras de Packard Bell, el diseño de telefonía, el estadio de futbol de la Juventus de Turín o la primera experiencia en la arquitectura religiosa llevada a cabo en 2010: la capilla Gentiliza, una escultura de metal en plena naturaleza. Paolo Pininfarina fue miembro del consejo de dirección Instituto Europeo di Design (1996-2004) y participó como fundador en la Associazione per il Disegno Industriale de Milán.

Andrée PUTMAN

Sirva como merecido homenaje y tributo. La gran dama del diseño, femenina y elegante, falleció el 19 de enero de este año. Glamour, très chic. Llegó a la carrera del diseño con 53 años, pero su estilo en moda goza de un prestigio inigualable. Algunos la catalogan como el estilo francés en su máxima expresión, la esencia de París. Su primer trabajo fue como periodista. Conoció a Juliette Greco, Giacometti y Simone de Beauvoir, intelectuales de alta consideración. Su vida siempre estuvo ligada a la capital francesa, en el ambiente de una familia culta y rica. Por influencia de su madre pianista, estudió composición musical en el Conservatorio Nacional de París. A los diecinueve años recibió el Primer Premio de Composición. Se entregó al periodismo en revistas como Elle antes de entrar en diseño. 

1970 - 1980

LOS SETENTAS 

ALGUNOS DE LOS HECHOS MAS IMPORTANTES

-LOS BEATLES SE SEPARAN

-LAND ART (ARTE DE LA TIERRA) 

se caracteriza por estar estrechamente relacionado con posturas ecologistas y antimercantilistas, pretendiendo hacer una crítica del mal trato que el hombre hace a su entorno. Uno de los artistas que mas se ha relacionado con este movimiento, a pesar de ser un artista de difícil inclusión,  es Christo, cuya principal obra se lleva a cabo a base de envolver todo tipo de objetos, incluyendo islas o monumentos de interés histórico.

 

 -EL MINIMAL (CONCENTRADO EN EL ORDEN Y LA SIMPLICIDAD)

 es un movimiento centrado en la práctica del reduccionismo, de restar a la obra de arte cualquier elemento de estilo o de reconocimiento de dicho estilo. Esto conllevó que aquellos contenidos no estéticos de la obra cobraran importancia, anunciando ya una de las principales características del denominado arte conceptual: lo importante no es la obra en si, sino el proceso mental que nos lleva a ella. Esta será la línea que seguirá gran parte del arte de la década de los 70, apartándose del concepto tradicional de creación y  centrándose en la idea por encima del objeto. Será este un periodo de reflexión en que los artistas no se preocuparon  por aspectos materiales, poniendo al servicio del espectador todo tipo de medios de entendimiento (grabaciones, documentos, fotografías, etc). Hubo y hay muchas tendencias conceptuales, como el body art( arte corporal) o la performance( concepto genérico creado en la década de los setenta para todo aquello que tuviera que ver con el arte de acción teatral o gestual), en definitiva el conceptual enfatiza la ausencia de objeto artístico intentando plasmar la idea a través de muy distintos medios, manteniéndose el espectador en una postura pasiva.

-ARTE CONCEPTUAL

 1970-Presente

Conceptual/ posmoderno:

El Minimalismo durante los años 70 marcó en cierta medida el fin del arte moderno. Esto no quiere decir que los artistas dejaron de crear obras de caráctermoderno, sino que comenzaron a trabajar en otro tipo de propuesta plástica en la que se destacan una idea pluralista del arte. Creyentes de que varios movimientos artísticos pueden convivir a la vezdentro de una misma obra, estos creadores a su vez se apropian de estilos pasados para crear un nuevo tipo de manifestación artística o concepto plástico.
Una línea. Una tela en blanco. En el minimalismo, el arte está reducido a su másmínima expresión. El concepto detrás del movimiento es crear "algo" llamado arte sin tener una idea preconcebida de su significado. Tendencia artística aparecida en EE.UU (1957), de corriente constructivitaen clara negatividad al pop-art y al contemporáneo lirismo del expresionismo abstracto; busca reducir las formas en un sencillez geométrica y simplificar la materia cromática en símbolos elementales.Crea pinturas de gran formato de colores neutros en busca de la expresión del silencio, apartándose de lo material y del "ruido" de formas y dell vacio sustancial.
artistas: ellsworth kelly, frankstella

Artistas: 

-Luis Camnitzer

 

-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-..-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-..-.-.-

- Wilfredo Lam

-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-

- Dennis Oppenheim

-.-.-..-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-

- Gabriel Orozco.

-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-

se ve un pequeño grupo de artistas de artistas que   volvió al interés por una pintura que no había olvidado la figuración.

UNO DE LOS MAS REPRESENTATIVOS ES BOTERO.

Pocos artistas hispanoamericanos han logrado tanta repercusión a nivel internacional como el pintor y escultor colombiano Fernando Botero. Su personalísimo estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario.

 

-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-.-..-.-.-.-.-.--.-.-.-.-.-.-.-.-